Período clásico, Clasicismo, Características principales, Historia, Primera Escuela de Viena, Influencia clásica en compositores posteriores, Instrumentos de la época clásica, Cronología de los compositores clásicos

Las fechas del periodo clásico en la música occidental son generalmente aceptados como entre aproximadamente 1730 y 1820 - Sin embargo, la música clásica término se utiliza coloquialmente para describir una variedad de estilos musicales occidentales desde el siglo IX hasta la actualidad, y sobre todo desde el siglo XVI o XVII al XIX. Este artículo trata sobre el período específico 1750-1820.

El período clásico se sitúa entre la de los períodos barroco y romántico. Los compositores más conocidos de este periodo son Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven; otros nombres notables incluyen Luigi Boccherini, Muzio Clementi, Antonio Soler Antonio Salieri, François Joseph Gossec, Johann Stamitz, Carl Friedrich Abel, Carl Philipp Emanuel Bach, Christoph Willibald Gluck y. Ludwig van Beethoven también a veces considerada ya sea como compositor romántico o un compositor que era parte de la transición a la romántica.

Franz Schubert es también una especie de figura de transición, al igual que Johann Nepomuk Hummel, Mauro Giuliani, Friedrich Kuhlau, Fernando Sor, Luigi Cherubini, Jan Ladislav Dussek y Carl Maria von Weber. El período se refiere a veces como la era del vienés clásico o clasicismo, desde Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn, Antonio Salieri, y Ludwig van Beethoven todo funcionó alguna vez en Viena, y Franz Schubert nació allí.

Clasicismo

A mediados del siglo 18, Europa comenzó a avanzar hacia un nuevo estilo en la arquitectura, la literatura y las artes, generalmente conocido como el clasicismo, que pretendía emular los ideales de la antigüedad clásica y en especial los de la Grecia clásica. Aunque todavía fuertemente ligado a la cultura de la corte y el absolutismo, con su formalidad y el énfasis en el orden y la jerarquía, el nuevo estilo fue también un estilo, un limpiador que favorecía divisiones claras entre las partes más brillantes, contrastes y colores, y la sencillez en lugar de la complejidad y la el tamaño de la orquesta típica aumentó.

El notable desarrollo de las ideas en la "filosofía natural" se había establecido en la conciencia pública con la física de Newton tomado como paradigma: las estructuras deben estar fundadas en axiomas y ser a la vez bien articulada y ordenada. Este gusto por la claridad estructural se abrió camino en el mundo de la música, alejándose de la polifonía capas del período Barroco, hacia un estilo donde una melodía sobre un subordinado armonía, una combinación denominada homofonía se preferidas. Esto significaba que el juego de acordes, incluso si se interrumpe la suavidad melódica de una sola parte, se convirtió en una característica mucho más frecuente de la música. Esto, a su vez, hace la estructura tonal de obras más audible.

El nuevo estilo también fue empujado hacia adelante por los cambios en el orden económico y en la estructura social. A medida que el siglo 18 avanzaba, la nobleza se convirtieron en los principales mecenas de la música instrumental, y hubo un aumento en el gusto del público para la ópera cómica. Esto llevó a cambios en la forma en la música se llevó a cabo, el más importante de los cuales era el paso a grupos instrumentales estándar y la reducción de la importancia del continuo-el relleno armónico por debajo de la música, a menudo interpretado por varios instrumentos. Una forma de que esta disminución del continuo y sus acordes figurado es examinar la disminución de la expresión obbligato, lo que significa una parte instrumental obligatorio en una obra de música de cámara. En el mundo barroco, instrumentos adicionales podrían ser añadidos opcionalmente al continuo, en el mundo clásico, se han observado todas las partes específicamente, aunque no siempre simbolizada, como cuestión de rutina, por lo que la palabra "obligado" se convirtió en redundante. En 1800, el término estaba prácticamente extinguido.

Los cambios en la situación económica también tuvo el efecto de alterar el equilibrio de la disponibilidad y calidad de los músicos. Mientras que en el barroco tardío compositor principal tendría todos los recursos musicales de una ciudad para aprovechar, las fuerzas disponibles en un pabellón de caza eran más pequeños y fija en su nivel de habilidad. Este fue un acicate para tener partes principalmente simples de jugar, y en el caso de un grupo virtuoso residente, un acicate para escribir espectaculares piezas, idiomáticas para ciertos instrumentos, como en el caso de la orquesta de Mannheim. Además, el apetito por un suministro continuo de música nueva, heredada del Barroco, significaba que las obras tenían que ser realizable con, a lo sumo, un ensayo. De hecho, incluso después de 1790 Mozart escribe sobre "el ensayo", con la implicación de que sus conciertos tendrían único.

Desde textura polifónica ya no era el foco principal de la música, sino más bien una sola línea melódica con acompañamiento, hubo un mayor énfasis en la notación de la línea de la dinámica y fraseo. La simplificación de la textura hecha tanto detalle instrumentales más importantes, y también hizo el uso de ritmos característicos, tales como llamar la atención, fanfarrias de apertura, el ritmo de marcha fúnebre, o el género minuet, más importante para establecer y unificar el tono de un solo movimiento .

Formas como el concierto y la sonata se definen en mayor medida y se les dio normas más específicas, mientras que la sinfonía fue creado en este período. El concerto grosso comenzó a ser reemplazado por el concierto para violonchelo, y por lo tanto comenzó a dar mayor importancia a la capacidad de la solista en particular para mostrar. Hubo, por supuesto, algunos concerti grossi que quedaba, el más famoso de los cuales es de Mozart Sinfonia Concertante para violín y viola en mi bemol mayor.

Características principales

Música clásica tiene una textura más ligera claro que la música barroca y es menos compleja. Es principalmente homophonic - melodía encima acompañamiento de acordes.

Variedad y contraste dentro de una pieza se hizo más pronunciada que antes. Variedad de llaves, melodías, ritmos y dinámicas, junto con los frecuentes cambios de estado de ánimo y el timbre era más común en la época clásica de lo que habían sido en el Barroco. Las melodías tienden a ser más cortos que los de la música barroca, con frases claras y cadencias claramente marcados. La Orquesta aumentó en tamaño y alcance, el clavecín continuo cayó en desuso, y la madera se convirtió en una sección independiente. Como instrumento solista, el clavicordio fue sustituido por el piano. Música de piano temprano fue la luz en la textura, a menudo con acompañamiento de bajo Alberti, pero más tarde se convirtió en rico, más sonoro y más potente.

La importancia se le dio a la música instrumental, los principales tipos eran sonata, trío, cuarteto, sinfonía, concierto, serenata y divertimento. La forma sonata desarrolló y se convirtió en la forma más importante. Se utiliza para construir el primer movimiento de la mayoría de obras de gran envergadura, sino también otros movimientos y piezas únicas.

Historia

El Barroco/Classical c transición. 1730-1760

 Véase también: Historia de la forma sonata

En un primer momento el nuevo estilo barroco se hizo cargo de las formas-ternario aria da capo y la Sinfonía y concierto-pero integrado con partes más simples, ornamentación más anotada y la división más enfático en secciones. Sin embargo, con el tiempo, la nueva estética provocó cambios radicales en la forma en que se ponen juntos piezas, y los diseños básicos cambió. Compositores de esta época buscaban efectos dramáticos, melodías llamativas y texturas más nítidas. El compositor italiano Domenico Scarlatti fue una figura importante en la transición del barroco al clásico. Su estilo de composición única está estrechamente relacionada con la del período clásico temprano. Él es mejor conocido por componer más de quinientos Sonatas para teclado de un movimiento. En España, Antonio Soler también produjo valiosos sonatas para teclado, una mayor variedad en la forma que las de Scarlatti, con algunas piezas en tres o cuatro movimientos.

Otra importante ruptura con el pasado fue el cambio radical de la ópera de Christoph Willibald Gluck, quien cortó una gran cantidad de las capas y el ornamento de improvisación y se centró en los puntos de modulación y transición. Al hacer que esos momentos donde la armonía cambios más focal, que habilita poderosos cambios dramáticos en el color emocional de la música. Para poner de relieve estos episodios que solía cambios en la instrumentación, la melodía y el modo. Entre los compositores más exitosos de su tiempo, Gluck dio lugar a muchos emuladores, uno de los cuales fue Antonio Salieri. Su énfasis en la accesibilidad trajo enormes éxitos en la ópera y en la música vocal más amplio: canciones, oratorios, y coros. Estos fueron considerados los tipos más importantes de la música para el rendimiento y por lo tanto disfrutar de mayor éxito en la estimación pública.

La fase entre el Barroco y el surgimiento de la clásica, con su amplia mezcla de ideas e intentos de unificar las diferentes exigencias de gusto, la economía y la "visión del mundo" en competencia, tiene muchos nombres. A veces se llama Galant, rococó, o pre-clásico, o en otros momentos temprana clásica. Se trata de un período en el que algunos compositores todavía trabajan en el estilo barroco florecen, aunque a veces considerado como siendo más del pasado que el presente-Bach, Handel, Telemann y todo compuesto mucho más allá del punto en el que el estilo homophonic es claramente en la ascendente. Cultura musical fue atrapado en una encrucijada: los maestros del estilo antiguo tenía la técnica, pero el público hambre de nuevo. Esta es una de las razones C.P.E. Bach se llevó a cabo en tan alta respecto: él entendía las formas más antiguas muy bien y sabía cómo presentarlos en la nueva vestimenta, con una mayor variedad de formas.

Circa 1750-1775

 Ver también: Sinfonía

A finales del 1750 había centros florecientes del nuevo estilo en Italia, Viena, Mannheim y París, decenas de sinfonías fueron compuestas y había "bandas" de los jugadores asociados a los cines. Ópera u otra música vocal era la característica de la mayoría de los eventos musicales, con conciertos y las "sinfonías" sirven como interludios instrumentales y presentaciones de óperas y misas. A lo largo de la época clásica, "sinfonías" y conciertos desarrollados y se presentaron de forma independiente de la música vocal.

El conjunto-a "normal" del cuerpo de cadenas complementados por los vientos-y los movimientos de especial carácter rítmico se establecieron a finales del 1750 en Viena. Sin embargo, la longitud y el peso de las piezas se ha establecido todavía con algunas características barrocas: movimientos individuales todavía se centraron en un efecto o sólo tenía una sección central en claro contraste, y su longitud no fue significativamente mayor que los movimientos barrocos. No había todavía un enunciado claramente la teoría de cómo componer en el nuevo estilo. Fue un momento propicio para un avance.

Muchos consideran que este gran avance que ha sido hecha por el CPE Bach, Gluck, y varios otros. En efecto, C.P.E. Bach y Gluck son a menudo considerados como fundadores del estilo clásico.

El primer gran maestro del estilo fue el compositor Joseph Haydn. A finales de la década de 1750 empezó a componer sinfonías, y por 1761 había compuesto un tríptico sólidamente en el modo de "contemporáneo". Como vice-maestro de capilla y más tarde maestro de capilla, su producción se expandió: compuso más de cuarenta sinfonías en la década de 1760 solamente. Y aunque su fama creció, ya que su orquesta se amplió y sus composiciones se han copiado y difundido, su voz era sólo uno entre muchos.

Mientras que algunos sugieren que fue eclipsado por Mozart y Beethoven, sería difícil exagerar la centralidad de Haydn al nuevo estilo, y por tanto al futuro de la música occidental en su conjunto. En ese momento, antes de la preeminencia de Mozart o Beethoven y Johann Sebastian Bach conocido sobre todo para los amantes de la música para teclado, Haydn alcanzó un lugar en la música que lo puso por encima de todos los demás compositores, excepto tal vez George Frideric Handel. Él tomó las ideas existentes, y alteró radicalmente la forma en que le funcionaron-ganar todos los títulos "padre de la sinfonía" y "padre del cuarteto de cuerda".

Una de las fuerzas que funcionaron como un impulso para su presionando hacia adelante fue la primera agitación de lo que luego se llamó el romanticismo, el Sturm und Drang, o "Sturm und Drang" fase en las artes, un corto período en el que era evidente una emotividad estilística preferencia. En consecuencia Haydn quería contraste más dramático y atractivo emocionalmente más melodías, con carácter afilado e individualidad. Este período se desvaneció en la música y de la literatura: sin embargo, influyó lo que vino después, y eventualmente ser un componente de gusto estético en las décadas posteriores.

The Farewell Symphony, No. 45 en Fa? Minor, ejemplifica la integración de Haydn de las diferentes exigencias del nuevo estilo, con curvas cerradas sorprendentes y mucho adagio para terminar el trabajo. En 1772, Haydn completó su Opus 20 conjunto de seis cuartetos de cuerda, en la que despliega las técnicas polifónicas que había reunido desde la época anterior a proporcionar coherencia estructural capaz de mantener unidas sus ideas melódicas. Para algunos, esto marca el inicio del estilo clásico "maduro", donde comenzó a ser reemplazado con un periodo de integración de los elementos de los estilos barroco y clásico el período de reacción contra la complejidad del barroco tardío.

Circa 1775-1790

 Véase también: Desarrollo Musical

Haydn, después de haber trabajado durante más de una década como director musical de un príncipe, tenía muchos más recursos y alcances para la composición de la mayoría y también la capacidad para dar forma a las fuerzas que jugar su música. Esta oportunidad no fue en vano, como Haydn, desde muy temprano en su carrera, trató de seguir adelante la técnica de la construcción de las ideas en la música. Su siguiente avance importante fue en la Opus 33 cuartetos de cuerda, donde el melódico y armónico de las funciones segue entre los instrumentos: con frecuencia es un momento claro qué es lo que es la melodía y la armonía. Esto cambia la forma en que el conjunto se abre camino entre los momentos dramáticos de las secciones de transición y climáticas: la música fluye suavemente y sin interrupción obvia. A continuación, tomó este estilo integrado y comenzó su aplicación a la música orquestal y vocal.

Regalo de Haydn a la música era una manera de componer, de manera de obras estructurantes, que era al mismo tiempo, de acuerdo con la estética de gobierno del nuevo estilo. Sin embargo, un contemporáneo más joven, Wolfgang Amadeus Mozart, trajo a su genio para las ideas de Haydn y las aplicó a dos de los principales géneros de la jornada: la ópera y el concierto virtuosa. Mientras que Haydn pasó gran parte de su vida trabajando como compositor de la corte, Mozart quería éxito de público en el concierto de la vida de las ciudades. Esto significaba ópera, y significó la realización de un virtuoso. Haydn no era un virtuoso en el nivel de giras internacionales, ni se le busca crear obras operísticas que podrían jugar durante muchas noches frente a una gran audiencia. Mozart quería tanto. Por otra parte, Mozart también tenía un gusto para los acordes más cromáticas, un mayor amor por la creación de un mar de melodías en una sola obra, y una sensibilidad más italiano en la música como un todo. Encontró, en la música de Haydn y más tarde en su estudio de la polifonía de Bach, los medios para disciplinar y enriquecer sus dones.

Mozart llegó rápidamente a la atención de Haydn, quien alabó el nuevo compositor, estudió sus obras, y considerado el hombre más joven a su único y verdadero entre pares en la música. En Mozart, Haydn encontró una mayor gama de instrumentación, efecto dramático y recursos melódica; la relación de aprendizaje mueve en dos direcciones.

La llegada de Mozart en Viena en 1780 trajo una aceleración en el desarrollo del estilo clásico. Hay Mozart absorbe la fusión de la brillantez italiano y cohesión germánica que había estado preparando durante los últimos 20 años. Su gusto por los brillos, melodías rítmicamente complejas y figuras, largas melodías cantilena, y florece virtuoso fue combinado con una apreciación de coherencia formal y la conexión interna. Es en este punto que la guerra y la inflación se detuvo una tendencia a las orquestas más grandes y obligó a la disolución o reducción de muchas orquestas de teatro. Esto presiona los intestinos estilo clásico: hacia la búsqueda de un mayor conjunto de técnicos y desafío-por ejemplo, la dispersión de la melodía a través de instrumentos de viento, o el uso de terceras partes para resaltar la melodía tomada por ellos. Este proceso coloca un premio en música de cámara para obtener un rendimiento más público, dando un nuevo impulso al cuarteto de cuerdas y otras pequeñas agrupaciones de conjunto.

Fue durante esta década que el gusto del público comenzó cada vez más a reconocer que Haydn y Mozart habían alcanzado un nivel de composición. Cuando Mozart llegó a los 25 años, en 1781, los estilos dominantes de Viena fueron reconocible conectados a la aparición en la década de 1750 del estilo clásico temprano. A finales de la década de 1780, los cambios en la práctica de la ejecución, la posición relativa de la música instrumental y vocal, las exigencias técnicas de los músicos, y la unidad estilística se había establecido en los compositores que imitaban Mozart y Haydn. Durante esta década, Mozart compuso sus más famosas óperas, sus seis sinfonías finales que ayudaron a redefinir el género, y una serie de conciertos para piano, que aún se mantienen en la cima de estas formas.

Un compositor que influyó en la difusión del estilo más serio que Mozart y Haydn habían formado es Muzio Clementi, un pianista virtuoso dotado que empató con Mozart en un "duelo" musical ante el emperador en la que cada uno de ellos improvisados y realizar sus composiciones. Sonatas de Clementi para el piano circularon ampliamente, y se convirtió en el compositor más exitoso en Londres durante la década de 1780. También en Londres en este momento fue Jan Ladislav Dussek, que, como Clementi, anima a fabricantes de pianos para extender el rango y otras características de sus instrumentos, y luego explotaron al máximo las posibilidades de reciente apertura. La importancia de Londres en la época clásica es a menudo pasado por alto, pero sirvió como el hogar de la fábrica del Broadwood para la fabricación de piano y como base de compositores que, aunque menos notable que la "Escuela de Viena", tuvieron una influencia decisiva en lo que vino más tarde. Ellos eran compositores de muchas obras excelentes, notables por su propio derecho. Sabor de Londres para virtuosismo puede haber alentado el trabajo complejo pasaje y declaraciones extendidas en tónica y dominante.

Circa 1790-1820

Cuando Haydn y Mozart comenzó a componer sinfonías fueron jugados como simples movimientos antes, entre o como interludios entre otras obras-y muchos de ellos duró sólo diez o doce minutos, grupos instrumentales tenido diversos niveles de juego, y el continuo era un centro de parte de la creación musical. En los años transcurridos desde entonces, el mundo social de la música ha experimentado cambios dramáticos: la publicación y giras internacionales han crecido de manera explosiva, las sociedades de conciertos empezaban a formarse, la notación se había hecho más específica, más descriptivo, y los esquemas de las obras se han simplificado. En 1790, justo antes de la muerte de Mozart, con su reputación de rápida propagación, Haydn estaba preparada para una serie de éxitos, sobre todo sus últimos oratorios y sinfonías "Londres". Compositores de París, Roma y en toda Alemania recurrieron a Haydn y Mozart por sus ideas sobre la forma.

El momento era más propicio para un cambio dramático. Durante la década de 1790, surgió una nueva generación de compositores, nacido alrededor de 1770, que, si bien se habían criado con los estilos anteriores, que se encuentran en las recientes obras de Haydn y Mozart un vehículo para una mayor expresión. En 1788 Luigi Cherubini se instaló en París y en 1791 compuesta Lodoiska, una ópera que lo elevó a la fama. Su estilo es claro reflejo de la madurez de Haydn y Mozart, y su instrumentación se dio un peso que aún no se había sentido en la gran ópera. Su contemporáneo tienne Mhul extendió efectos instrumentales con su ópera 1790 Euphrosine et Coradin desde la que siguió una serie de éxitos.

El más fatídico de la nueva generación fue Ludwig van Beethoven, quien lanzó sus obras numeradas en 1794 con un conjunto de tres tríos para piano, que se mantienen en el repertorio. Un poco más joven que los otros, aunque igualmente logra debido a su estudio juvenil bajo Mozart y su virtuosismo natal, fue Johann Nepomuk Hummel. Hummel estudió con Haydn, así, él era amigo de Beethoven y Schubert. Se concentró más en el piano que cualquier otro instrumento, y su estancia en Londres en 1791 y 1792 generó la composición y la publicación en 1793 de las tres sonatas para piano, opus 2, que idiomáticamente utiliza técnicas para evitar la cadencia esperada de Mozart y Clementi a veces de forma modal figuración virtuoso incierto. En conjunto, estos compositores se puede ver como la vanguardia de un cambio amplio en el estilo y el centro de la música. Ellos estudiaron las obras de los otros, copian los gestos de los otros en la música, y en ocasiones se comportaron como rivales pendencieros.

Las principales diferencias con el ciclo anterior se puede ver en el cambio a la baja en melodías, el aumento de duración de los movimientos, la aceptación de Mozart y Haydn como paradigmático, el mayor uso de los recursos del teclado, el cambio de la escritura "vocal" a la escritura "pianística" la creciente atracción de la menor y de la ambigüedad modal, y la creciente importancia de la variación de las figuras que se acompañan de traer "verde" hacia adelante como un elemento en la música. En resumen, el último clásico buscaba una música que era interna más compleja. El crecimiento de las sociedades de conciertos y orquestas de aficionados, que marcan la importancia de la música como parte de la vida de la clase media, ha contribuido a un mercado en auge para los pianos, música de piano y virtuosos para servir como examplars. Hummel, Beethoven y Clementi fueron reconocidos por su improvisación.

Influencia directa del barroco continuó a desaparecer: el bajo continuo creció menos prominente como un medio de mantener el rendimiento en conjunto, las prácticas de rendimiento de la mitad del siglo 18 siguen a morir. Sin embargo, al mismo tiempo, ediciones completas de maestros barrocos comenzaron a estar disponibles, y la influencia del estilo barroco continuaron creciendo, en particular en el uso cada vez más amplio de latón. Otra característica de la época es el creciente número de actuaciones que el compositor no estaba presente. Esto condujo a un aumento de detalle y especificidad en la notación, por ejemplo, había un menor número de partes "opcional" que estaban por separado de la puntuación principal.

La fuerza de estos cambios se hizo evidente con la tercera sinfonía de Beethoven, le dio el nombre Eroica, que es italiano para "heroica", del compositor. Al igual que con Stravinsky La consagración de la primavera, no puede haber sido la primera en todas sus innovaciones, pero su uso agresivo de todos los rincones del estilo clásico que lo distinguen de sus obras contemporáneas: la longitud, la ambición y los recursos armónicos y .

Primera Escuela de Viena

La Primera Escuela de Viena es un nombre más utilizado para referirse a tres compositores de la época clásica en Viena de finales del siglo 18: WA Mozart, Haydn, Beethoven y. Franz Schubert en ocasiones se añade a la lista de.

En los países de habla alemana, se utiliza el término Wiener Klassik. Este término se aplica a menudo de manera más amplia a la época clásica en la música como un todo, como un medio para distinguirlo de otros períodos a que se refiere coloquialmente como la música clásica, es decir, barroco y romántico.

El término "Escuela de Viena" fue utilizado por primera vez por el musicólogo austríaco Georg Raphael Kiesewetter en 1834, a pesar de que sólo contaba con Haydn y Mozart como miembros de la escuela. Otros escritores siguieron su ejemplo, y, finalmente, Beethoven fue añadido a la lista. La designación de "primera" se añade hoy para evitar la confusión con la Segunda Escuela de Viena.

Mientras, Schubert aparte, estos compositores sin duda conocían, no hay un sentido en el que estaban comprometidos en un esfuerzo de colaboración en el sentido de que uno asociaría con las escuelas del siglo 20, como la Segunda Escuela de Viena, o Les Six. Tampoco hay ningún sentido significativo de cuál compositor fue "instruido" por otro, si bien es cierto que Beethoven durante un tiempo recibió lecciones de Haydn.

Intentos de extender la Primera Escuela de Viena de incluir tales figuras posteriores como Anton Bruckner, Johannes Brahms y Gustav Mahler son meramente periodístico, y que nunca se encontraron en musicología académica.

Influencia clásica en compositores posteriores

 Ver también: Tonalidad

Eras musicales rara vez desaparecen de inmediato, sino que las características son reemplazadas con el tiempo, hasta que el viejo se siente simplemente como "pasado de moda". El estilo clásico no "morir" tanto como se transforma bajo el peso de los cambios.

Un cambio crucial fue el cambio hacia armonías centran alrededor teclas "flatward": los cambios en la dirección subdominante. En el estilo clásico, clave principal era mucho más común de lo menor, cromatismo está moderado a través de la utilización de la modulación "sharpward", y secciones en el modo menor eran a menudo sólo por contraste. A partir de Mozart y Clementi, comenzó una colonización progresiva de la región subdominante. Con Schubert, mueve subdominantes florecieron después de haber sido introducido en los contextos en los que compositores anteriores se han limitado a los cambios dominantes. Esto introdujo colores más oscuros a la música, fortaleció el modo menor, y se estructura más difícil de mantener. Beethoven contribuyó a este por su uso cada vez mayor de la cuarta como una consonancia, y la ambigüedad-modal de ejemplo, la apertura de la menor de D Symphony.

Franz Schubert, Carl Maria von Weber, y John Field se encuentran entre los más destacados en esta generación de "románticos clásicos", junto con el joven Felix Mendelssohn. Su sentido de la forma fue fuertemente influenciado por el estilo clásico, y todavía no se han "aprendido", sino que respondía directamente a las obras de Beethoven, Mozart, Clementi, y otros, ya que ellos encontraron. Las fuerzas instrumentales a su disposición también eran bastante "clásica" en número y variedad, permitiendo similitud con las obras clásicas.

Sin embargo, las fuerzas destinadas a poner fin a la bodega de estilo clásico se reunieron la fuerza en las obras de cada uno de los compositores más arriba. El más comúnmente citada es la innovación armónica. También importante es el creciente interés en tener una figuración acompañamiento continuo y rítmico uniforme: de Beethoven Moonlight Sonata fue el modelo para cientos de tarde pedazos, donde el movimiento de desplazamiento de una figura rítmica proporciona gran parte del drama y el interés del trabajo, mientras que una melodía derivas por encima de él. Un mayor conocimiento de las obras, una mayor especialización instrumental, creciente variedad de instrumentos, el crecimiento de las sociedades de conciertos y la dominación imparable de piano-que crearon una enorme audiencia para la sofisticada música-toda contribuido al cambio hacia el estilo "romántico".

Trazar la línea entre estos dos estilos es imposible: hay tramos de las obras de Mozart que, tomada sola, no se distinguen en armonía y orquestación de la música escrita 80 años después, y los compositores siguen escribiendo en normativas estilos clásicos en el siglo 20. Incluso antes de la muerte de Beethoven, los compositores tales como Louis Spohr eran románticos describe a sí mismo, incorporando, por ejemplo, el cromatismo más extravagante en sus obras. Sin embargo, generalmente la caída de Viena como el centro musical más importante para la composición orquestal se sentía a ser la ocasión de último eclipse del estilo clásico, junto con su desarrollo orgánico continuo de un compositor de aprendizaje en estrecha proximidad a los demás. Franz Liszt y Frédéric Chopin visitó Viena cuando era joven, pero luego se trasladó a otras vistas. Compositores como Carl Czerny, mientras profundamente influenciados por Beethoven, también se interesaron por las nuevas ideas y nuevas formas de contener el mundo más amplio de la expresión musical y de performance en la que vivían.

El renovado interés en el equilibrio formal y la moderación de la música clásica del siglo 18 dio lugar a principios del siglo 20 con el desarrollo de los llamados estilo neoclásico, que contaba con Stravinsky y Prokofiev entre sus partidarios, al menos en ciertos momentos de sus carreras.

Instrumentos de la época clásica

 Vea también: Lista de los instrumentos de la época

Cuerdas

Viento Madera

  • Basset clarinete
  • Basset horn
  • Clarinette d'amour
  • Clarinete clásica
  • Chalumeau

Teclados

  • Clavicordio
  • Fortepiano
  • Clavicémbalo

Brasses

  • Buccin
  • Oficleido garantía - repuesto serpiente, precursor de la tuba

Cronología de los compositores clásicos